La inceputul secolului al XX-lea a aparut avangarda, cautand sa rupa traditia. In acest fel, futurismul, dadaismul si suprarealismul, printre altele, au spart barierele a ceea ce ar putea fi considerat arta. Asa se face ca a fi artist modern a insemnat sa inovati si sa provocati lumea prin lucrari care nu mai incercau sa copieze realitatea sau sa fie frumoase, ci mai degraba cautau sa zdruncine conceptiile estetice si sociale existente.
Din acest motiv, expresiile artistice actuale se bazeaza pe impactul pe care il produc asupra publicului. Cu cat este mai controversat si provocator, cu atat este mai bine primit.
Ce este arta contemporana?
Arta contemporana este cea produsa dupa 1950 . Prin urmare, raspunde circumstantelor timpului sau. Sunt creatii direct legate de globalizare, de societatea de consum si de manufacturat .
Artistii nu mai trebuie sa fie experti sau sa aiba un anumit talent, deoarece predomina ideea si conceptul . Este o realitate bogata in instalatii, sculpturi si readymade-uri care preiau un obiect comun si ii dau o viata noua.
La fel, retelele de socializare au devenit principalul mijloc de diseminare, intrucat originalitatea si indrazneala sunt valorile cele mai apreciate. Este vorba de a merge mai departe si de a provoca toate standardele. Astazi, orice propunere intemeiata poate fi inteleasa ca art.
Acest lucru are sens intr-o epoca saturata de stimuli si informatii , cu o istorie a artei care are secole de mari creatori care si-au demonstrat deja valoarea tehnica. Deci, lucrul interesant este sa uimesti si sa fii perturbator .
Iata cativa dintre cei mai inovatori, ciudati si celebri artisti contemporani din ultima vreme, care sunt laudati si urati in acelasi timp. Fara indoiala, ei au reusit sa ocupe un spatiu in imaginarul colectiv.
Te poate interesa: Arta conceptuala: caracteristici si exemple
Sculptura
1. Jeff Koons
Jeff Koons (Statele Unite ale Americii, 1955) este unul dintre cei mai controversati artisti actuali, datorita unei propuneri in care predomina excesul. A devenit celebru in anii 1980 prin arta conceptuala, prezentand elemente pop si kitsch .
A lucrat la bursa de pe Wall Street, motiv pentru care a fost unul dintre primii creatori care a angajat serviciile unei agentii de publicitate pentru a-si promova imaginea.
Desi a realizat picturi si fotografii, este renumit pentru sculpturile sale monumentale si stralucitoare . Tema sa se invarte in jurul frumusetii , dorintei si banalitatii .
Desi este considerat de unii un pionier si o piatra de hotar in istoria artei, are mai multi detractori care critica productia sa in masa . Koons a fost caracterizat ca un artist al ideilor. Astfel, el creeaza un concept care ajunge sa fie realizat de alti specialisti si realizeaza mai multe exemplare pe care le vinde cu milioane de dolari.
Koons a devenit popular cu aceasta serie de sculpturi realizate intre anii 1994 si 2000. Pana astazi este asociat cu aceasta imagine care reprezinta un caine realizat din baloane umflate, tipice petrecerilor de aniversare sau carnavalelor, destinate copiilor. Cu cainii lui Balloon , a devenit cel mai inalt reprezentant al artei kitsch, bazata pe o estetica ornamentata si de „prost gust” .
In acest fel, a luat un obiect efemer de minima valoare, apartinand culturii de masa si a dorit sa-i dea locul ca opera de arta . Astfel, se poate observa interactiunea dintre limbajul vizual de zi cu zi si referirea la actiuni perturbatoare precum pisoarul lui Duchamp. Este vorba despre transformarea celui mai putin imaginat intr-o piesa artistica.
Pentru realizarea lui a folosit elemente industriale, deoarece acestea sunt realizate din otel inoxidabil lustruit cu un strat colorat. Exista cinci versiuni in albastru, magenta, galben, portocaliu si rosu. Cel mai izbitor sunt dimensiunile sale mari (307,3 x 363,2 x 114,3 cm), deoarece decide sa se joace cu scara pentru a-si face proiectul si mai frapant.
Unul dintre aspectele principale are de-a face cu materialitatea. Artista a decis sa foloseasca o imagine care se remarca prin culoare si forma, facand aluzie la actualul fetisism materialist care se bazeaza pe acumularea inutilului .
Cu Play-doh si-a continuat stilul de piese monumentale (315 x 386,7 x 348 cm.), creand aceasta sculptura formata din 27 de piese separate de aluminiu vopsit. In 2014, a fost prezentata in premiera intr-o retrospectiva organizata de Muzeul Whitney de Arta Americana din New York.
Artista a realizat cinci copii ale acestei lucrari care se refera la brandul Play doh care produce materiale care sunt folosite pentru proiecte manuale pentru copii . Inspiratia i-a venit de la fiul sau Ludwig, care in copilarie a modelat o movila de plastilina si i-a dat-o cadou tatalui sau.
Koons a incercat sa-l faca cat mai realist posibil, pentru a atrage simturile privitorului . In acest fel, se pot observa urmele degetelor, de parca ar fi o compozitie nou creata.
De-a lungul anilor, lucrarile sale au atins unele dintre cele mai inalte valori la care se poate astepta un artist in viata . In 2018, una dintre aceste versiuni a fost vanduta cu 20 de milioane de dolari.
Buchet de lalele a fost expus in 2019 in omagiu adus victimelor atacurilor teroriste care au avut loc in Franta in noiembrie 2015 . La initiativa ambasadorului SUA, Koons a daruit aceasta sculptura locuitorilor din Paris.
Masoara 12 metri, cantareste 33 de tone si este realizat din bronz, otel inoxidabil si aluminiu. S-a inspirat din pictura lui Pablo Picasso Buchet de pace (1958) si Statuia Libertatii. Mana tine 11 lalele in loc de clasica duzina, pentru a simboliza absenta, dar si speranta.
Cu toate acestea, aceasta lucrare a starnit mari controverse , deoarece a costat 3,5 milioane de euro. A fost finantat de colectionari americani si francezi. In acest scenariu, multi au afirmat ca banii ar fi putut fi donati direct asociatiilor victimelor.
La fel, ei l-au acuzat pe Koons ca este oportunist, intrucat a vrut sa foloseasca tragedia drept scuza pentru a-si instala opera intr-un loc turistic. Fata de aceasta, artista a asigurat ca 80% din veniturile din reproducerea audiovizuala vor merge catre cei afectati de atac si catre consiliul orasului.
2. Damien Hirst
Damien Hirst (Anglia, 1965) este unul dintre cei mai inovatori artisti ai zilelor noastre. In opera sa, a decis sa exploreze limitele a ceea ce poate fi inteles ca arta.
El a fost comparat cu Andy Warhol din cauza ireverentei sale, a proiectelor pe care multi le considera sinistre si a capacitatii sale de a genera bani. Unul dintre cei mai importanti detractori ai sai este Julian Spalding, critic si scriitor, care si-a definit productia drept „con-art” (art-swindle).
Intr-adevar , el nu isi face lucrarile , dar sunt realizate de un grup de colaboratori . In acest fel, el afirma ca ceea ce este esential sunt ideile sale revolutionare care urmaresc sa puna in tensiune temele acceptate in lumea artistica. Astfel, materializarea trece in plan secund . In plus, a stiut sa devina o celebritate, deoarece doar silueta si declaratiile sale atrag publicul.
In 1991, Hirst si-a inceput seria de istorie naturala , folosind carcase de animale pe care le-a conservat prin utilizarea formolului . Una dintre cele mai controversate piese a fost Imposibilitatea fizica a mortii in mintea cuiva in viata.
Intr-un rezervor de otel si sticla se afla un rechin tigru. Scopul sau a fost sa aduca in prim plan un animal periculos care rareori poate fi vazut atat de aproape . El a cautat sa genereze emotii viscerale in public , confruntandu-le la limita dintre viata si moarte.
Colectionarul Charles Saatchi a finantat achizitia cadavrului. Artistul l-a comandat unui pescar care a cerut un animal „suficient de mare pentru a te devora”. Dupa ce sculptura a fost terminata, a fost expusa la Galeria Saatchi din Londra.
In ciuda utilizarii formaldehidei, in 2006 rechinul a trebuit sa fie inlocuit din cauza degradarii corpului.
In 2007, artista a expus Numai Dumnezeu stie . Este compus din trei oi jupuite in rezervoare separate, evocand imaginea rastignirii lui Hristos.
Aici se face apel la grotesc , expunand un animal care trebuie sa indure chinul si chinul inainte de a fi consumat. In acest fel, functioneaza ca o critica a industriei alimentare moderne . De asemenea, face cu ochiul la inviere . Titlul sau face aluzie la intelepciunea lui Dumnezeu, deoarece el stie de ce lucrurile se intampla intr-un anumit fel.
Cea mai faimoasa lucrare a sa de pana acum este For the love of God (2007) , recunoscuta drept cea mai scumpa din lume . Productia sa a avut o valoare de 17 milioane de euro .
A folosit un craniu masculin din secolul al XVIII-lea pentru a face o turnare de platina. Acest craniu artificial i-au fost adaugate 8.601 de diamante si au fost adaugati dintii originali, dupa ce au fost fixati. Pe frunte i-a fost inglobat un ornament in stil preot, tot din diamante.
Piesa a fost expusa pentru prima data la galeria White Cube din Londra. In ea, el face aluzie la probleme precum moartea si banii , adica cat de importante sunt bogatiile pamantesti la sfarsitul vietii? La fel, cu titlul, reintroduce tema religioasa. Totusi, ca sa numim, s-a inspirat de la mama lui, care la acea vreme i-a spus “Pentru numele lui Dumnezeu! Ce ai de gand sa faci acum?”
Artistul a asigurat ca cu aceasta sculptura a dorit sa reflecteze asupra inevitabilitatii sfarsitului existentei . El a declarat: „Moartea face viata interesanta. Este un declansator universal. Cu totii ne temem de moarte”.
Desi Hirst a declarat ca a fost vandut in acelasi an unui consortiu anonim pentru 60 de milioane, unele voci din lumea artei au pus la indoiala acest lucru. Mai multi acuza ca este inca in mainile artistului, iar presupusul pret a fost folosit pentru a-i creste popularitatea si valoarea celorlalte creatii ale sale.
Fara indoiala, cel mai recent proiect al lui Hirst a fost cel mai controversat din lumea artei pana in prezent . In 2016, a realizat 10.000 de picturi in ulei pe hartie. In 2021, a decis sa le conecteze la NFT si sa numeasca propunerea The Currency (La Moneda) . In acest fel, au fost scoase la vanzare pentru o valoare de doua mii de dolari.
Odata ce cineva l-a achizitionat, ar putea alege sa pastreze arta cripto (piesa in forma digitala) sau sa o aiba in format fizic. In cazul in care persoana a optat pentru NFT, pictura ar fi expusa si apoi arsa .
In acest fel, a pus la indoiala natura artei moderne, ce valoreaza mai mult astazi? Materialul sau imaterialul? De cand s-a deschis in septembrie 2021, 4.137 de cumparatori au decis sa-si schimbe NFT-ul cu munca fizica, in timp ce 5.863 au dorit sa pastreze versiunea criptata. Cu aceasta au fost arse aproape 6.000 de panze.
3. Greg Lansky
Greg Lansky (Franta, 1982) a devenit celebru anul acesta datorita unei sculpturi care a atras atentia publicului si a specialistilor pentru modul ei de a interpreta noul secol.
Desi s-a format ca fotograf, si-a dezvoltat o cariera ca regizor si producator de filme pornografice. Acum ca este om de afaceri si liber financiar, a decis sa exploreze lumea artei. Sculpturile sale se refera la lumea actuala si functioneaza ca o reflectie critica asupra conditiilor realitatii contemporane .
In noiembrie 2022 a prezentat o sculptura din marmura numita Frumusete algoritmica . Este o reinterpretare moderna a clasicului Venus de Milo . Astfel, face ecoul traditiei, dar decide sa-i dea un aspect nou. Marea diferenta este ca are brate cu care tine un iPhone.
Lansky a postat fotografia pe contul sau de instagram, insotita de urmatorul mesaj: „Cata durere ai indura sa te simti iubit?” In cuvintele lui:
Am creat aceasta lucrare reflectand relatia dintre durere si sentimentul de iubit intr-o lume condusa de algoritmi AI. Nu exista oglinda pentru selfie-ul tau, deoarece umanitatea este oglinda. Toti suntem oglinda. Algorithmic Beauty nu are filtre de frumusete. Semnele operatiilor plastice sunt afisate cu gratie si demnitate ca cicatricile de lupta ale unui razboi nesfarsit pe care nimeni nu-l poate castiga.
In acest fel, urmareste sa critice sistemul actual care promoveaza o imagine alterata a fiintei umane . Standardele de frumusete ii fac pe oameni sa fie supusi unor operatii plastice care implica multa durere. Ei fac tot acel sacrificiu pentru a apartine si pentru a putea oferi lumii cea mai buna versiune a lor. In schimb, ei primesc dragostea falsa a retelelor prin „like-uri” si comentariile altora.
Astfel, aceasta Venus moderna prezinta un corp cu implanturi de silicon si semne care dezvaluie diverse interventii estetice . Pentru Lansky, este o reflectare a societatii de astazi, care cauta constant sa-si imbunatateasca exteriorul, fara sa-si faca griji pentru altceva decat aspectul.
In decembrie 2022, artistul a prezentat in premiera o noua sculptura in care a ales din nou elemente din trecut pentru a pune la incercare cultura moderna.
In Tu eres el siguiente a construit o ghilotina , o masina care a aparut in timpul Revolutiei Franceze pentru a decapita inamicii lumii noi care doreau sa se formeze. Acest instrument al mortii era deja destul de paradigmatic la vremea lui. In timp ce idealurile de egalitate, fraternitate si libertate au fost promovate, a fost creat si un instrument care a permis asasinarea tuturor celor care erau incomozi pentru putere.
Lansky preia aceasta idee si plaseaza simbolul Twitter in centrul compozitiei , una dintre cele mai controversate si distructive retele sociale de pe scena actuala. Ca si in Franta secolului al XVIII-lea, acest mediu poate fi vazut ca un element crud, dar justificat, care atrage un public dornic de durerea altora.
Facilitati
1. Olafur Eliasson
Olafur Eliasson (Danemarca, 1967) este recunoscut pentru sculpturile si instalatiile sale la scara larga, desi a lucrat si in pictura, fotografie si film. Viziunea lui are de-a face cu interventia in spatiu si apropierea oamenilor de fenomene naturale precum lumina si apa . Ideea este ca, fiind aranjate in moduri originale, ne permit sa le reconsideram calitatea de obiecte artistice.
In 1995 si-a infiintat un studio la Berlin, deoarece propunerea sa are de-a face cu munca in echipa si colaborare. Este format dintr-o cladire cu patru etaje la care participa aproximativ 100 de persoane. Printre acestia se numara personal tehnic specializat, profesionisti in mestesuguri, arhitectura si istoria artei, web si design grafic si realizatori de film.
In Beauty (1993) a cautat sa redescopere farmecul fenomenelor naturale . A constat intr-o instalatie situata intr-o camera intunecata . Pe tavan era un furtun din care iesea apa sub forma de roua si o lampa . Juxtapunerea acestor elemente a produs un curcubeu pe care privitorul trebuia sa-l gaseasca ajungand in unghiul potrivit.
In 2003, Elliason a expus la Tate Modern din Londra The climate project . In camera uriasa a turbinelor (155 metri lungime, 23 latime si 35 inaltime) a pus umidificatoare pentru a crea ceata. In centru a instalat un disc format din sute de lampi monocrome care radiaza lumina galbena. Apoi, pe tavan a fost amplasata o oglinda care a permis vizitatorilor sa fie reflectati ca mici umbre.
Instalatia a durat cinci luni si a atras doua milioane de spectatori care au interactionat cu elementele, au impartasit, au contemplat si au putut medita asupra schimbarilor climatice. Munca lui cauta sa-i faca pe oameni sa gandeasca prin interactiune . Din acest motiv, Mark Godfrey, curatorul The Climate Project, a exprimat:
Eliasson crede ca, uneori, urgenta climatica este comunicata doar prin discursuri de sperietura. El vrea sa schimbe modul in care gandim subiectul cu un discurs de placere si dragoste. Stii, ce imi place la lume? Si de ce ar trebui sa-mi pese de el?
In 2014 , impreuna cu geologul Minik Rosing, au intreprins instalarea Reloj de hielo , care a urmarit sa faca vizibile direct problemele pe care le -a provocat incalzirea globala . Esantionul a trecut prin Copenhaga, Paris si Londra.
Era alcatuit din blocuri de gheata din Groenlanda care s-au rupt din cauza topirii. Aceste piese au fost mutate si aranjate intr-o maniera circulara, imitand un ceas . Cele 24 de blocuri cantareau 12 tone si invitau spectatorul sa participe . Oamenii puteau sa-l atinga, sa simta frigul si sa urmareasca in direct procesul de topire.
Pentru Elaisson, rolul artistului este foarte important astazi. De altfel, el a declarat: „Nu poti alege sa nu fii politic. Tot ceea ce facem are consecinte si nu putem scapa de faptul ca suntem cu totii interconectati.” Prin urmare, a incurajat publicul sa ia in considerare propunerea sa:
Trebuie sa recunoastem ca impreuna avem puterea de a lua masuri individuale si de a conduce schimbari sistemice. Vino sa atingi Calota de gheata Groenlanda si lasa-l sa te atinga. Sa transformam cunostintele referitoare la clima in actiuni climatice.
2. Felix Gonzalez Torres
Felix Gonzalez Torres (1957 – 1996) a fost un artist cubanez, stabilit in Statele Unite, unde si-a dezvoltat opera. Cele mai importante din productia sa au fost instalatiile sale in stil minimalist in care a folosit materiale din viata de zi cu zi , precum ceasuri, creioane, dulciuri etc.
Stilul sau a fost caracterizat prin folosirea metaforelor pentru a se referi la sentimente de natura universala cu care publicul poate empatiza.
La MOMA din New York este Untitled (Perfect Lovers) (1991), o instalatie care se remarca prin simplitate, dar si prin mesajul frumos pe care il contine. Este o lucrare care se refera la iubire, pierdere si doliu . Artistul a pus doua ceasuri in momentul in care partenerul sau, Ross Laycock, a murit. Astfel, fiecare dintre ei i-a reprezentat. In timp, inevitabil, isi pierd sincronia, crescand astfel distanta care ii separa.
In anul urmator, a creat o alta lucrare in omagiu iubirii lui disparute. In Untitled (Portret of Ross in LA) a aranjat 79 de kilograme de bomboane, facand referire la greutatea lui Laycock. Lucrul interesant la aceasta instalatie este ca si-a schimbat layout-ul de fiecare data, in functie de locul in care a fost expusa si de modul in care publicul a interactionat cu ea.
Spectatorii au fost invitati sa ia bomboanele pentru a le lua sau a le rearanja . Astfel, artistul a cautat sa reprezinte cum functioneaza pierderea in timp . Poate gasi noi moduri si se poate adapta, dar nu dispare niciodata.
La fel ca si partenerul sau, Gonzalez Torres a murit din cauza unor complicatii din cauza SIDA in 1996. A fost una dintre primele voci din lumea artei care a vorbit direct despre acest subiect.
Performanta
Marina Abramovic
Marina Abramovic (Serbia, 1946) a fost remarcata pentru spectacolele sale provocatoare in care s-a transformat intr-un obiect artistic . Cariera sa a inceput in anii 70. Stilul sau a fost caracterizat de provocare si de dorinta de a investiga relatia dintre artist si public. In cuvintele lui: „prima data cand mi-am pus corpul in fata publicului, am inteles ca a fost sprijinul meu”.
In 1974, a sustinut una dintre cele mai indraznete spectacole ale sale si una care i-a dezvaluit si intunericul pe care il contine fiinta umana . Obosita sa fie clasificata drept exhibitionista si masochista, ea a creat Ritmo 0 , unde publicul trebuia sa interactioneze direct cu corpul ei, in timp ce ea functiona ca o panza goala .
La Morra Studio din Napoli (Italia) a concertat timp de sase ore. Era in picioare si nemiscat. Pe o masa erau 72 de obiecte langa o pancarta pe care scria “pot sa-mi faca ce vor ei. Sunt un obiect. Imi asum responsabilitatea pentru tot ce se poate intampla in acest spatiu de timp”.
In acest fel, Abramovic s-a oferit publicului ca si cum ar fi o papusa. Obiectivul a fost acela de a vedea cum ar reactiona oamenii la posibilitatea de a avea o fiinta umana ca si cum ar fi o jucarie .
Existau doua categorii, obiecte de placere, cum ar fi parfumul, florile si pene; si obiectele de distrugere cu cutite, foarfece, lame de ras si chiar un pistol.
La inceput , totul a fost destul de nevinovat, au facut-o sa schimbe ipostaze, i-au dat flori si au sarutat-o . Totusi, dupa cea de-a treia ora, lucrurile au luat o intorsatura sinistra: a fost legata, i-au fost scoase hainele, i-au fost infipti spini si chiar a injunghiat-o un barbat. Dupa ce si-a incheiat prezentarea, a declarat:
Acest lucru arata cat de repede poate cineva decide sa va raneasca atunci cand este autorizat. Asta arata cat de usor este sa dezumanizezi pe cineva care nu se apara. Acest lucru arata ca majoritatea oamenilor „normali” pot deveni foarte violenti in public daca au ocazia.
In 1976 s-a mutat la Amsterdam, unde l-a cunoscut pe artistul german Frank Uwe Laysiepen, mai cunoscut sub numele de Ulay . Au inceput o relatie de dragoste care a dus la o colaborare care a durat mai bine de un deceniu si a produs unele dintre cele mai interesante lucrari ale lor.
Ca echipa au vrut sa exploreze limitele corpului, asa ca au decis sa se joace cu ei insisi. In 1977 au interpretat „Inhaling/Exhaling” . Spectacolul a fost reprezentat de doua ori, la Belgrad si Amsterdam. Astfel, si-au astupat narile si si-au adunat gura. Ideea a fost doar sa inhalam aerul expulzat de celalalt pana la epuizarea intregului oxigen disponibil .
Ambii au cazut inconstienti la pamant. Cu aceasta, ei au cautat sa expuna capcanele relatiilor moderne, deoarece un individ este capabil sa-l consume si sa-l distruga pe celalalt.
In 2010 , MOMA a organizat o retrospectiva a operei artistului. Ea a constat din videoclipuri, fotografii si documente care au consemnat munca depusa pe parcursul a patru decenii. Acolo a decis sa faca un nou spectacol in care statea si imobila in atriumul muzeului. Publicul a fost invitat sa stea jos si sa impartaseasca cu artista, sa-i simta prezenta . Actiunea a fost una dintre cele mai lungi din cariera sa, intrucat timp de opt ore pe zi, intr-o perioada de trei luni, s-a dedicat acestei activitati.
Pictura
1. Zeng Fanzhi
Zeng Fanzhi (1964) este unul dintre cei mai renumiti artisti chinezi la nivel international si unul dintre cei mai bine platiti astazi. Se caracterizeaza prin realizarea de picturi expresioniste in care reflecta realitatea tarii sale, facand aluzie in acelasi timp la influenta Occidentului.
A crescut in timpul Revolutiei Culturale din China si de aceea opera sa se refera la dificultatile traite in acei ani. In cuvintele lui:
Cand eram tanar, viata era atat de grea incat era greu sa ma gandesc la viitor. Pe vremea aceea, cel mai important lucru era sa ajungem la capat si sa ne putem hrani.
Dupa ce a studiat la Academia de Arte Frumoase din Hubei, a decis sa se specializeze in pictura in ulei . Principalele sale influente sunt Paul Cezanne, Willem de Kooning si Lucian Freud.
De-a lungul timpului, si-a dezvoltat propriul stil si a castigat faima cu seria Mascaras, care s-a remarcat prin prezentarea unor personaje care se ascund in spatele unei masti . La fel, mainile lor sunt exagerat de disproportionate in comparatie cu restul corpului.
Aici, in Masca nr. 1 ( 1999) puteti vedea un portret tipic al unui barbat care apartine regimului chinez. Acest lucru poate fi vazut in esarfa rosie si simbolul de pe bratul sau drept. In ciuda faptului ca isi acopera fata, durerea si angoasa sunt imposibil de ascuns si lacrimi groase cad din ochi care par sa nu mai aiba viata.
Ultima Cina (2001) este una dintre cele mai faimoase picturi ale sale. In el se refera la opera lui Leonardo Da Vinci , folosind aceeasi compozitie si distributie a personajelor.
In acest caz, protagonistii provin din timpurile moderne si au caracteristicile tipice seriei sale Mascaras . Din acest motiv, au esarfe rosii care fac aluzie la comunism, maini excesiv de mari si masti in stil chinezesc care le acopera fetele. Spre deosebire de original, Dinner se caracterizeaza prin frugalitate .
Lucrarea s-a vandut in 2013 pentru 23 de milioane de dolari, facandu-l pe Fanzhi unul dintre cei mai cautati artisti din lume.
2. Guillermo Lorca Garcia
Guillermo Lorca Garcia (1984) este un artist chilian care se distinge prin crearea de panze in care locuieste un univers magic . Intr-o perioada de instalatii si lucrari in care predomina ideile, tanarul a decis sa revina la uleiul clasic . Astfel, copiii si animalele se regasesc intr-un stil baroc in care frumusetea si tulburatorul se opun .
El a devenit recunoscut pentru picturile sale gigantice (pana la trei metri) si pentru virtuozitatea sa picturala , deoarece exista o cantitate enorma de lucru in compozitii in care predomina culorile, precum si utilizarea luminii si a umbrei.
In ceea ce priveste tipul de personaje pe care le foloseste de obicei, intr-un interviu a declarat:
Pentru mine, copiii si animalele impreuna au sens pentru mine; s-ar putea spune ca „sufletele” lor se aseamana mai mult. Este acolo unde sunt cele mai puternice emotii. Cred ca personajele reprezinta diferite parti ale naturii noastre, la fel ca in basme, mituri si legende.
La randul sau, faptul ca parul uneia dintre fete este albastru sau ca exista un tigru roz , functioneaza ca o resursa pentru a crea scene magice in care locuiesc creaturi atemporale . De asemenea, el recunoaste ca anime-urile japoneze pe care le-a urmarit in copilarie au fost o inspiratie pentru idealul de frumusete pe care il ridica.
Pictorul se refera la opera sa ca fiind interactiunea dintre contrarii . Asa cum exista inocenta si frumusete , puteti gasi si amenintarea, violenta si moartea . Acesta este ceea ce da efectul poetic picturilor sale.
In The English Bed (2021) puteti vedea o incursiune mai realista in ceea ce este portretizat. Nu mai exista culori sau senzatia unei lumi magice. Poti vedea o tanara privind direct la privitor si, in spatele ei, un tigru care pare ca vrea sa o devoreze. Lorca afirma ca aceasta tema are legatura cu fanteziile copilariei. Desi se pot face si asociatii simbolice, deoarece salbaticul este de obicei legat de erotic.
Fotografie
1. Cindy Sherman
Cindy Sherman (Statele Unite ale Americii 1954) este unul dintre cei mai recunoscuti fotografi la nivel international . Artista a decis sa se foloseasca ca vehicul, fiind model si autoare a imaginilor sale .
In acest fel, el recurge de obicei la costume , machiaj si decor , inventand un univers al jocului si al aspectului. Astfel, ea devine subiectul si obiectul muncii sale, reusind sa submineze rolurile care i-au fost atribuite sexului, precum pasivitatea.
Intre 1977 si 1980, Sherman a creat o serie numita Untitled Film Still . Sunt 80 de fotografii alb-negru, de acelasi format, cu care a ajuns la faima internationala. In numarul 7, poti vedea o femeie care tocmai s-a trezit, purtand ciorapi albi, camasa de noapte si ochelari de soare. Ea pare sa fie surprinsa de camera, in timp ce merge inainte cu un pahar de martini in mana stanga.
Aici a cautat sa se joace cu reprezentarea femeilor prezente in media . Este vorba despre reprezentarea feminitatii si a stereotipurilor ei, asa cum au facut propaganda si cinematografia in acei ani.
Prin urmare, el imita scene de film fictiv in care imita tinere atragatoare in ipostaze sugestive, chiar in mijlocul unei scene. El decide sa copieze stilul anilor 50-60, unde femeia era privita ca un obiect decorativ, senzual si idealizat .
Sherman nu este doar model, ci se ocupa de decorul, costumele si accesoriile. De asemenea, el este responsabil de procesul tehnic, asa cum se poate vedea in Untitled Movie Still #6 . Acolo, in stanga, apare un cablu care face vizibila calitatea artificiala a imaginii.
Artista a cautat sa-si insuseasca reprezentarea falsa care a circulat in acei ani despre sexul feminin . Folosind aceleasi mecanisme ale discursului oficial, a vrut sa-i dea o invartire si sa faca publicul sa reflecteze.
Incepand cu anii 1980, fotografiile ei au incetat sa o mai prezinte si au facut loc papusilor si membrelor anatomice artificiale . Din acest moment vine seria sa, Portrete istorice, inspirata din lucrari clasice. Luand stilul portretelor renascentiste, el creeaza lucrari pe care le modifica pentru un efect deranjant . In Untitled (1989) el arata o femeie care urmeaza prototipul mamei. Ea exagereaza acel mesaj adaugand un san de cauciuc, in timp ce tine in mana un copil invelit intr-o patura alba.
2. Angela Buron
Angela Buron este o tanara fotografa spaniola care a castigat relevanta pentru imaginile ei suprareale in care ea insasi actioneaza ca model . Tema sa centrala este corpul, aranjat in moduri noi si neasteptate prin utilizarea Photoshop . In felul acesta, el creeaza o noua realitate in care nu se mai poate distinge un inceput sau un sfarsit si, astfel, figura umana devine o expresie a infinitului.
Opera sa locuieste in parti ale corpului , un univers dezordonat de brate, picioare si maini. Aceste elemente sunt surprinzator de acomodate, in timp ce locuiesc in spatii de zi cu zi, precum interioarele unor case simple sau pur si simplu un pat. Aceasta reorganizare permite privitorului sa reconsidere modul in care intelege si observa realitatea .
De asemenea, el decide sa se joace cu materialitatea corpului si calitatea acestuia ca instrument , facand referire la artistii de performanta care au aparut in anii 70.
